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Die Künstlerin Eva Z. Schmitt zeigt in ihrem aktuellen Linoldruck (o1/21) „dreaming of a splendid future“, ein Stillleben mit einer Puppe. Der Linoldruck im Format 30x 30 in den Farben Blau, Orange, Schwarz wurde mit der Technik der verlorenen Form auf Japanpapier von Hand abgerieben. Das Motiv zeigt im Zentrum eine Puppe, die vor Körben und Gefäßen auf einer Bühne oder in einem Schaufenster sitzt, angestrahlt von Lampen, und damit im Rampenlicht . Der Druck ist Teil des Projektes „Schaufenster“, das die Künstlerin seit Januar 2021 mit verschiedenen künstlerischen Medien und Techniken verfolgt.
Das Spannungsfeld von Individuum und Gesellschaft stand neben dem Thema Leere wiederholt im Fokus ihrer Arbeiten, die innere und äußere Räume zwisch
en personaler Erfahrung und gesellschaftlichen Realitäten, (Verhalten und Verhältnissen) auslotet. Dass das aktuelle Projekt „ Schaufenster“ in die Zeit der Pandemie bedingten Einschränkungen fällt , ist kein Zufall.
Schaufenster sind etwas, das zunehmend an Bedeutung verliert, das sich alles in große Einkaufszentren verlagert, in denen den Auslagen der einzelnen Geschäfte weniger Bedeutung zukommen zu sein scheint. Anders in der Kindheit der Künstlerin, die sich an Schaufensterbummel zB durch die sonntäglich verwaiste Fußgängerzone erinnert, dabei stand nicht das Kaufen sondern das Schauen im Vordergrund. Nicht nur in der Weihnachtszeit, versteckten die Läden manchmal kleine Hingucker für Kinder in der Dekoration. Während der vielen Kiezspaziergänge im Lockdown wurden Schaufenster mit ihren Dekorationen wieder eine visuelle Attraktion, gerade wenn die Läden geschlossen waren, und zugleich ein Symbol für im Moment unerfüllbare Konsumwunsche.
Ein Leben wie hinter Glas, getrennt von der Welt durch eine Scheibe steht als Metapher für ein Leben im Lockdown, in dem gerade Alleinstehende von sozialen Erfahrungen depriviert sind, so dass innere und äußere , individuelle und gesellschaftliche Realität immer weniger miteinander abgeglichen werden können. In manchen der späteren Arbeiten des Projektes spiegelt sich die äußere Welt (Straße) wie in der Mattscheibe eines Monitor und überlagert sich mit den Motiven der Auslage. Die vorliegende Druckgrafik aus der initialen Phase weist diese Überlagerung noch nicht auf, offeriert aber trotzdem vielschichtige Betrachtungsweisen.
Auf den ersten Blick strahlt die Puppe als zentrales Element eine zerbrechliche Schönheit aus, zugleich hat sie etwas irritierendes, denn aus dem feinen weißen Kleid mit blauen Schatten schaut ein nackter Arm in schwarzer Hautfarbe hervor, genau wie die Füße, das Gesicht jedoch ist weiß. Die Dekoration im Hintergrund bewegt sich im Spannungsfeld zwischen afrikanischem Kunsthandwerk und High Tech. während die Puppe selbst eher an Biedermeier Dekor erinnert.
Sie triggert damit Fragen nach Schönheit, Weiblichkeit und Rasse, während sie in ihrer kalten Leblosigkeit für gefühllose Distanz steht und zugleich Einsamkeit verkörpert.. Gängige Klischees werden durch diese Irritationen gebrochen und in Frage gestellt.
Puppen gelten einerseits als Traum von Generationen von Kindern, zugleich reglementierten sie durch ihre Zerbrechlichkeit, das Spiel des Kindes, und forderten die Sublimation spontaner Einfälle und Handlungen vom Kind. Eine kostbare Puppe, wie diese, ist Vorzeigeobjekt und soll Rollenmodell sein, das Kind durfte sie nicht baden, ihr keine Haare schneiden oder färben, noch Wunden oder Tattoos auf den Puppenkörper malen oder Akupunkturnadeln hineinstechen. Es war somit gezwungen spontane Einfälle und Kreativität zu sublimieren als eine frühe konforme Kulturleistung.
Im Zentrum des Geschehen, wie auf einer Bühne , mit verschiedenen Lichtquellen beleuchtet sitzend , verkörpert die Puppe gleichzeitig auch den Traum von Ruhm und Glanz, von einem Vorzeigeleben, das Anpassung an eine äußere Matrix und damit dem Verzicht auf Individualität bis hin zur Veränderung der Hautfarbe (durch Bleichungscremes) beinhaltet.
Die Komposition lädt somit auch dazu ein statische Zukunftsträume und Stereotype auf ihren individuellen Preis hin zu hinterfragen und zu überdenken.
Der Linoldruck wurde im März als Beitrag für den Linocut Contest im Typa Museum in Tartu eingereicht, ist aber leider nach mehr als einem Monat Postweg dort noch immer nicht angekommen.
The artist Eva Z. Schmitt shows in her current linocut (o1 / 21) “dreaming of a splendid future”, a still life with a doll. The lino print in the format 30×30 cm in blue, orange, black was rubbed off by hand on Japanese paper using the lost form technique. The motif shows a doll in the center, sitting in front of baskets and vessels on a stage or in a shop window, illuminated by lamps and thus in the spotlight. The print is part of the “Showcase” project, which the artist has been pursuing with various artistic media and techniques since January 2021.
The relation between individual and society was, in addition to the subject of emptiness, repeatedly focus of her work, which explores inner and outer spaces between personal experience and social realities (behavior and conditions). It is no coincidence that the current “Showcase” project falls into the time of the pandemic-related restrictions.
Shop windows are something that is becoming less and less important, that everything is moving to large shopping centers where the displays of the individual stores seem to be less important. It was different in the childhood of the artist, who remembers window shopping, for example through the pedestrian zone, which is deserted on Sundays, where the focus was not on buying but on looking. Not only in the Christmas season, the shops sometimes hid little eye-catchers for children in the decorations. During the many walks in the neighborhood in lockdown time, shop windows with their decorations became a visual attraction again, especially when the shops were closed, and at the same time a symbol for consumer wishes that could not be fulfilled at the moment.
A life like behind glass, separated from the world by a pane of glass, stands as a metaphor for a life in lockdown, in which single people are deprived of social experiences, so that internal and external, individual and social reality cannot be shared with one another. In some of the later works of the project, the outside world (street) is reflected like in the screen of a monitor and is superimposed with the motifs of the display. The present print from the initial phase do not yet show this overlay, but nonetheless offers multi-layered perspectives.
At first glance, the central element of the doll exudes a fragile beauty, but at the same time there is something irritating about it, because a bare black-skinned arm peeks out of the fine white dress with blue shadows, just like the feet, but the face is white. The decoration in the background moves in the field of tension between African handicrafts and high tech. while the doll itself is more reminiscent of Biedermeier decor.
It triggers questions about beauty, femininity and race, while in its cold lifelessness it stands for callous distance and solitude. Common clichés are broken and called into question by these irritations.
On the one hand, dolls are regarded as the dream of generations of children, on the other hand, through their fragility, they regulate the child’s play and demand the sublimation of spontaneous ideas and actions from the child. A precious doll like this one is a showpiece and should be a role model, the child was not allowed to bathe it, cut or dye its hair, paint wounds or tattoos on the doll’s body or pierce acupuncture needles. It was thus forced to sublimate spontaneous ideas and creativity as an early conforming cultural achievement.
Sitting in the center of the action, as if on a stage, illuminated by different light sources, the doll also embodies the dream of fame and splendor, of a model life, adapting to an external matrix and thus renouncing individuality, including changing skin color (through whitening creams).
The composition invites you to question and rethink static future dreams and stereotypes in terms of their individual price.
The linocut was submitted in March as an entry for the Linocut Contest at the Typa Museum in Tartu, but unfortunately it still hasn’t arrived there after more than a month’s mail.
arteva Malerei Eva Z. Schmitt 